Jonathan Borofsky
Jonathan Borofsky (n. 2 martie 1942 la Boston , Massachusetts ) este un artist american .
Viaţă
Jonathan Borofsky trăiește și lucrează în Ogunquit / Maine , SUA .
După ce a studiat artă la Universitatea Carnegie Mellon din Pittsburgh , Borofsky și-a continuat studiile la Ecole de Fontainebleau și la Universitatea Yale . În anii 1960, Jonathan Borofsky a căutat să combine minimalismul și lumea plină de culoare a Pop Art . Aceasta a fost urmată de lucrări de artă conceptuală (meditații numerice) spre sfârșitul anilor 1960 . În 1971 și-a continuat practica picturală și sculpturală și a creat câteva sculpturi supradimensionate, cum ar fi Himmelsstürmer, Omul ciocănitor sau Ballerina Clown (în spațiul exterior alLudwig Forum for International Art in Aachen ). Prima versiune a Ballerina Clown a fost creată în 1983. Versiunea de la Aachen datează din 1991 și a făcut parte dinexpoziția Metropolis din Gropiusbau Berlin înacel an. O altă versiune este în Veneția (Los Angeles) .
Biografie și lucrare
Lucrările lui Jonathan Borofsky se caracterizează printr-o gamă largă de forme de exprimare, a căror diversitate nu poate fi încorporată în niciun concept stilistic. De-a lungul deceniilor, opera sa artistică a fost influențată, pe de o parte, de elemente și idei dominante ale lumii artei, pe de altă parte, determinată de căutarea unicității artistice.
Născut fiul unui pianist și pictor, a început să ia lecții de artă la vârsta de opt ani. Studiile sale la Universitatea Carnegie Mellon , pe care le descrie drept „o protecție frumoasă de patru ani”, le-a finalizat în 1964 ca licențiat în arte plastice. În 1964 a studiat temporar la Ecole de Fontainebleau din Paris .
Obiectivul principal al activității sale artistice a fost sculpturile, a experimentat cu tencuiala din Paris, ulterior a realizat lucrări din oțel sudat (adesea acoperit cu tencuială) la Universitatea Yale . Modelul său în acest sens este Picasso , ale cărui sculpturi conțin o mare varietate de stiluri și - ca și el - sunt construite în desene. „ Borofsky a realizat o serie de forme separate - umbrele, forme de fructe, structuri geometrice - și le-a organizat într-o singură sculptură aditivă, care a păstrat identitatea părților individuale, o caracteristică care continuă să caracterizeze opera sa. "( Mark Rosenthal , german:" Borofsky a realizat o serie de forme individuale - umbrele, forme de fructe, structuri geometrice - și le-a aranjat într-o sculptură compozită care a păstrat particularitățile părților individuale; o proprietate care continuă să caracterizeze opera sa. ") În 1965 a realizat primele sale sculpturi „primitive” din fibră de sticlă în același stil.
Cariera sa artistică este modelată atât de cariera sa academică (doctoratul din 1966 în Yale), cât și de schimbarea de locație care a urmat la scurt timp. S-a mutat la New York , centrul lumii artei din timpul său. La sfârșitul anilor șaizeci, Borofsky a încercat să combine limbajul formal simplu al minimalismului cu imagistica directă a Pop Art pentru a putea exprima noi abordări ale obiectivității și sensului subiectiv . Sub influența artei lui Roy Lichtenstein , el a produs obiecte decorative (în special lămpi), dar cele mai multe dintre ele au fost ulterior distruse de el însuși.
În 1967 Borofsky a încetat să mai facă „obiecte de artă” și a început să își scrie gândurile și meditațiile numerice. Având convingerea că pictura și realizarea obiectelor au murit, el a lucrat în domeniul Conceptului sau al ideii de artă din anii 1960 și a început în 1969 să înregistreze rânduri de numere pe coli de hârtie, pe care le-a continuat timp de câțiva ani. În 1970 și-a expus cărțile de gândire , care conțin reflecțiile sale asupra timpului și spațiului, reprezentate sub formă de numere și diagrame și care pot fi înțelese ca o formă de artă în sine. Aceasta include și construcția de modele pentru a ilustra conceptele sale personale („Pentru a înțelege lumea, omul gândește în sisteme”).
În 1975 a avut prima sa expoziție solo la Galeria Paula Cooper , incluzând teancuri de hârtie făcute din foi de hârtie cu rânduri de numere de la 1 la 2.346.502. Turnul cu o înălțime de metru este continuarea proiectului său de numărare , care a fost prezentat în 1973 în Spațiul artiștilor la invitația lui Sol LeWitt și este inclus în mod repetat ca obiect în expoziții. Din 1974 a început să numere în gama minus. De numărare timp a documentelor și este ea însăși un extras din linia universal ilustrat în timp gândire , care poate fi privit ca o expresie intelectuală a dorului pentru un mistic all-connectedness.
Numărarea continuă poate fi văzută ca un desen care tratează subiectul timpului: „Ca artist, scopul meu este să prezint… ilustrații ale gândurilor mele cu privire la semnificația timpului”. activitatea artistului într-o anumită perioadă de timp, o expoziție a operei sale trebuie întotdeauna evaluată ca o retrospectivă.
El și-a reluat lucrările de pictură și desen în jurul anului 1971 după ce aspectul meditativ al procesului de numărare, scopul de a ajunge la iluminare atunci când a ajuns la milion , nu a avut loc. Numerele consecutive devin semnătura schițelor, desenelor și sculpturilor sale (conștient) infantiliste , pe care le înșiră continuu - luând în considerare lucrările din toate fazele creative - pentru a forma fotografii cuprinzătoare ale unei picturi continue . Cu stilul său de pictură infantilă, pe care l-a păstrat până în prezent, după o fază de lucru conceptual, el se leagă de naturile moarte pe care le-a produs când avea opt ani. El o ia din nou și o include în lucrarea sa în spectacole retrospective ca o piesă de vârstă, prin care o operă de artă reprezentativă pentru fiecare an de viață este expusă în mod repetat ca statut actual.
Numerotarea tuturor operelor sale în funcție de starea actuală de numărare reprezintă unirea a două laturi ale operelor sale: pe de o parte, liniară și conceptuală, pe de altă parte, este emoțională și reprezentativă .
Din 1973 își înregistrează visele într-un caiet, care sunt povestite și ilustrate verbal. Acestea - și numeroase texte auto-analitice - stau la baza desenelor și picturilor într-un mod naiv și copilăresc. În 1974 a început - din nou la propunerea lui Sol LeWitt - să-și execute șabloanele direct pe pereți. Aproximativ 200 de picturi murale au fost vopsite în mod constant peste alb după încheierea expoziției, micile desene și picturi se alătură picturii continue.
În motivul visului cu numărul 2.099.711 (am visat că aș putea zbura) dorința de a „scăpa de arta rece, de a dezvolta sentimente și de a ne expune” găsește o metaforă picturală . Ca element suprarealist , visul de a zbura este o reacție împotriva minimalismului și artei conceptuale , iar pentru Borofsky întruchipează și posibilitatea de a străpunge spațiul și timpul și de a scăpa de legăturile rațiunii. În calitate de om zburător , el l-a detașat de suprafața imaginii bidimensionale în numeroase instalații din medii diferite din anii 1980 .
Opera sa din anii șaptezeci poate fi văzută în contextul New Image Painting , o mișcare neo-expresionistă din SUA care își propune mai presus de toate să depășească limitele rigide ale Concept Art și să confere din nou operelor de artă un caracter personal: „Au fost aceste visează că nu există nici o rimă sau motiv pentru care se întâmplă. Au fost fascinante pentru mine și foarte personale. Mulți dintre ei îmi dădeau indicii despre propria mea viață. Am început să le văd ca fiind contribuția mea personală la lumea artei din acea vreme. Aveam Pop Art, care mi s-a părut puțin prea obraznic, și Minimal Art, cu care puteam raporta numărul meu, dar căutam ceva mai personal, mai onest, mai deschis și mai direct. "
„Inima” operei sale este desenul, el le produce sute în fiecare an: „Desenul pentru Borofsky este o demonstrație a gândurilor sale, așa cum a explicat,„ Procesul meu de gândire este un obiect ”.„ Desenele stau la baza picturilor murale, a imaginilor și a imaginilor. Sculpturi care au devenit inițial importante în opera sa ca extensie a suprafeței picturii. Nu erau potrivite pentru vânzare, sunt numeroase (aproximativ 200), dar de scurtă durată, deoarece sunt întotdeauna vopsite după expoziție.
Instalațiile versatile de cameră ale lui Borofsky, diferite în expresie și patos , au caracterul unor opere de artă totale alcătuite dintr-o mare varietate de suporturi. Motivele și topoi-urile cunoscute sunt prezentate într-o formă modificată - ca un fir roșu, ca să spunem așa. Efectul spațial este evident în toate: încăperile aglomerate inițial ( Paula Cooper Gallery 1975: acumulare de picturi, desene, lucrări conceptuale și obiecte găsite care nu permit o concentrare asupra unui anumit obiect, ci mai degrabă dau impresii ale operei sale) sunt rafinate explorând sălile expoziționale. , amplasarea exactă a lucrărilor în cameră devine din ce în ce mai importantă pentru el: „Singura instalație majoră a lui Borofsky în 1977 a fost la Galeria de Artă de la Universitatea din California , Irvine . Era cel mai mare spațiu pe care Borofsky îl lucrase încă și avea aproximativ două săptămâni, cea mai lungă perioadă de până acum, pentru a-și completa desenele pe perete. Din fotografiile și micile desene din servietă a ales imagini mai vechi care au avut succes, precum și altele noi care nu au fost încă folosite; a aranjat întreaga cameră de parcă ar fi fost o pictură pe patru fețe. Spațiul trebuia să cuprindă privitorul, iar liniile principale de vedere erau să pună întreaga cameră în joc. Începând cu acest moment, Borofsky își va începe instalațiile prin selectarea celei mai interesante caracteristici arhitecturale ale spațiului și folosirea acestuia ca punct de plecare al expoziției. "
Borofsky a părăsit New York-ul în 1977 și de atunci locuiește în Ogunquit , Maine. El își expune desenele și picturile în muzee și galerii americane de aproximativ 15 ani, iar mai târziu a câștigat importanță internațională în primul rând prin sculpturile sale parțial monumentale. După ce a petrecut 11 ani în New York predând la Școala de Arte Vizuale, a predat la California Institute of the Arts din Valencia timp de un an . În cariera sa academică și în munca sa de artist, el se ocupă de aspectele teoretice ale artei și de elementele de bază ale operei sale: „Mă simt ca o persoană cu idei, un pictor de idei ... aceasta (opera de artă) trebuie să fie întotdeauna ideea cu pictura . ”Dacă maniera expresiv-infantilă a desenelor și obiectelor sale a fost o reacție la Minimal și Concept Art, baza operei sale este încă realizarea intelectuală și conceptuală.
Centrul tematic al operei lui Borofsky este propria sa identitate de artist . Într-o scurtă fază a picturilor cu motive cu capul în jos ca aspect suprarealist după o serie de experimente tehnice (inclusiv proiecția desenelor pe pereți), întâlnirea cu lucrările lui Georg Baselitz duce la sfârșitul proiectului, care totuși l-a fascinat foarte mult. Arta sa este legată de obiect, dar nicidecum sobră și obiectivă. Expresivitatea personală și politică a operelor sale, pe care o creează cu motive simple și generalizatoare, este pentru Borofsky un fel de participare personală în lume: „Desenele lui Borofsky au aproape întotdeauna subiecte, pentru că vrea să facă o declarație, să ia o„ poziție politică ”. '. În locul a ceea ce el numește „artă mișto”, el vede legătura cu societatea. Un copil din anii '60, recunoaște despre acea perioadă o „creștere emoțională comună” în care oamenii erau solicitați unii de alții. Pentru a participa la lume, Borofsky speră să descrie un subiect de consecință universală. Spre acest scop, el a dezvoltat un model de teme recurente, generalizate, care sunt adesea evidențiate de arhetipuri și situații arhetipale. "
Motivul dominant în opera sa este cel al artistului însuși, ca ego gânditor și sentimental în lume. De fapt, fiecare dintre operele sale de artă este un autoportret , dar mai ales visele, temerile și poveștile sale din viața sa, conferă un caracter auto-reflectiv prin reprezentarea vizuală și figurală. Potrivit propriei declarații, el speră „să înțeleg propriile dureri și fericiri”, numărul și distribuția largă a operelor sale, totuși, nu reflectă doar căutarea propriei identități ca persoană și artist, ci mai degrabă existența sa ca personaj exemplar, cu care mulți se pot identifica.
Opera sa reflectă astfel toate liniile de conflict din existența umană. Este vorba despre spiritualitate și bunăstare fizică, despre existența pământească și supranatural și, în cele din urmă, și despre bine și rău. Compasiunea pentru ceilalți este înfășurată în egocentricitatea artistului; formularea scrisă a viselor sale reprezintă perspectiva interioară a artistului, desenele și picturile sale în care apare sunt povestite din perspectiva unui spectator.
Desenele sale capătă puterea politică de exprimare prin subiecții aleși. La sfârșitul anilor șaptezeci, desenele sale, bazate pe fotografii de presă, se ocupă de persoane și clase defavorizate social sau politic, în special cu populația din țările de dincolo de Cortina de Fier : „Preocuparea lui Borofsky cu situațiile politice l-a determinat să acorde un mare accent unui grup de teme legate în general de violență, opresiune și anxietate. ... Victimele diferitelor tipuri de opresiune sunt văzute frecvent în arta lui B, inclusiv figuri închise, păsări, cambodgieni, foci și artistul însuși acoperit cu numere care amintesc tatuajele naziste. În altă parte, capetele se despart sau sunt sub constrângere cauzate de greutăți uriașe care le apasă, iar bărbații se dezintegrează în spațiu. Și alte arme, săbiile, bastoanele și armele sunt prezentate ca instrumentele ticăloșilor periculoși. "El se ocupă în mod repetat de Războiul Rece în instalații și picturi murale. Cu ocazia expoziției internaționale de artă Zeitgeist din Berlinul de Vest din 1982 , el a fost unul dintre puținii artiști care s-a referit la orașul divizat: în clădirea Gropius , l-a pus pe Flying Man să zboare pe o fereastră și să traverseze zidul despărțitor în zbor. În plus, a pictat o porțiune mare a peretelui cu un bărbat care mergea, nu o figură care se plimba, ci o figură de alergat.
Man Walking și Running Man, atât în plus față de Flying Man stilistice a operei sale sculpturale, reprezintă nu numai mișcarea umană, ci și gândul zborului , care confruntarea cu temerile personale și politice pot declanșa. Varianta pozitivă și mai optimistă este Omul zburător, care depășește granițele raționale și sociale și devine astfel întruchiparea libertății și sublimității: „Evadarea este o modalitate de a contracara suferința, iar Borofsky prezintă diferite forme ale acesteia în arta sa ... B. însuși de multe ori realizează zborul sub forma figurii sale zburătoare. El este un superman plin de corp - spre deosebire de Omul Moleculei - care obține o evadare aparent fără efort din aparițiile zilnice. În aer, el are o perspectivă mai clară, mai luminată, care îi sporește căutarea spirituală ".
O figură mai eroică este Omul ciocănitor, care reprezintă un alt motiv de bază în opera lui Borofsky. Munca (mentală și fizică) stă, deoarece este activitatea fundamentală a lumii, ca un contrast cu spiritualitatea și transcendentalitatea . Ca o componentă a instalațiilor sale în muzee și galerii, Hammering Man s-a dezvoltat de la un desen la sculpturi monumentale în aer liber care astăzi - cum ar fi Hammering Man din Basel (1989) și Frankfurt pe Main în 1991 - se află în primul rând în contextul centrelor de activitate economică . Ciocanului Omul și numărarea sunt pentru Borofsky ca diferite forme de exprimare pentru mai mulți ani un subiect de dezbateri intense și exemplifică complexitatea intențiilor sale artistice. Silueta gigantică a Omului ciocănitor , a cărui scară Borofsky a variat din nou și din nou în mai multe realizări, apare în mișcarea sa neîncetată ca o metaforă a muncii umane prin excelență. Borofsky vorbește despre el ca „lucrătorul din noi toți. Cu toții ne folosim mintea și mâinile pentru a trăi și a învăța în lume - sau pur și simplu pentru a supraviețui ".
Ca simbol al trecerii de neoprit a timpului, Omul ciocănitor corespunde noilor sculpturi Heartlight , care conțin o înregistrare digitală a propriilor bătăi ale inimii. Într-un mod analog, își face numărarea computerizată , pe care a efectuat-o continuu de la sfârșitul anilor 1960. Notând numerele, el face tangibilă trecerea timpului. Ca acțiune individuală, nu este un simbol, ci o expresie reală a oricărui lucru sau a orelor de lucru. Numărarea este astfel biografia abstractă a lui Borofsky, în care sunt inscripționate toate produsele artistice, desenele, picturile și sculpturile, prevăzute cu un număr care le atribuie locul lor în sistemul său personal de timp. În acest sens, toate operele lui Borofsky sunt autoportrete. Borofsky este Omul ciocănitor .
Până la sfârșitul anilor 1970, Jonathan Borofsky a participat la expoziții în succesiune rapidă în SUA și Europa , lucrările fiind în principal picturi murale și desene care au fost produse la fața locului. În august 1978 a avut prima sa expoziție în Corps de Garde din Groningen , în 1979, de exemplu, a luat parte la Bienala Whitney . Acolo și-a combinat imaginile de vis cu elemente plastice din aceste imagini pentru a crea o prezență fizică mare pentru narațiune. Instalațiile sale au fost din ce în ce mai caracterizate printr-o mare varietate de stiluri și suporturi media. El a combinat picturi realiste cu elemente abstracte, desene expresioniste, fotografii, filme și figuri pentru a forma un sinopsis holistic al elementelor, care în centrul său seamănă cu o operă de artă totală barocă. Instalațiile sale tridimensionale sunt la fel de expansive, pe atât de complexe: „Prin utilizarea unor elemente precum șiruri și sârme care se extind de la tavan până la podea, desene de perete care continuă în jurul colțurilor sau se extind peste ușile și fluturași care aruncă podeaua, B. activează toate părțile unui cameră făcând instalațiile sale cuprinzând experiențe total. Chiar și senzațiile sonore și olfactive pot fi oferite pentru a învăța mai mult privitorul. ”Pentru Borofsky, stilul este„ un mod de a lucra ”, nu o realizare în sine. El este interesat de impactul vizual al operei de artă în spațiu și de modalitățile inovatoare de a include privitorul. I s-a permis să se joace pe masa de ping-pong, precum și să ia cadouri cu el. La Bienala de la Veneția din 1980, a distribuit copii ale desenelor sale pentru a le duce acasă.
Jonathan Borofsky nu ar fi un „poet-politician” dacă nu ar încerca să surprindă și să descrie întreaga lume. Spiritul universal, care s-a reflectat deja în Cărțile sale de gândire, este inerent tuturor expozițiilor sale: „El privește întreaga omenire ca fiind una, unită colectiv de valori universale și adevăruri universale, care sunt revelate prin arta sa. Astfel B devine omul universal - unul care îi reprezintă pe toți. Același principiu stă la baza caracterului instalațiilor sale: componente disparate - diferite forme materiale, stiluri și idei - formează un întreg care transcende părțile sale individuale. "Conform obiectivului său," die Menschen pentru a realiza cu un limbaj general înțeles - cuvinte și imagini ”, astăzi sculpturile și instalațiile în aer liber senzaționale la nivel internațional îi domină opera, cu care a devenit popular încă din anii optzeci. Gama geografică a operei sale sculpturale se întinde de la California la Coreea .
Numai în Germania , el a instalat alte șapte figuri pe lângă Flying Man la Universitatea din Augsburg : a îmbogățit documenta 7 din Kassel cu Hammering Men mai mici , figura Man walking to the sky , care a fost expusă la DOCUMENTA IX , are acum a ei loc fix la gara principală din Kassel. Giganticul ciocanului Omul din oțel a fost înființat în fața centrului expozițional din Frankfurt , în 1991 , The Molecule Omul din aluminiu în 1999 , în mijlocul Spree din Berlin . Figura libertății libertate (masculin / feminin) , care a fost inaugurată la Offenburg în 2000, este plină de istorie ca un memento al Adunării Offenburg din 1847 , un Walking Man a decorat clădirea de birouri Munich Re de pe Leopoldstrasse din München din 1995 și un alt Walking Woman a decorat o piață publică în Verden din 2005 .
Galerie
Om care merge spre cer, Kassel
Ballerina Clown în Ludwig Forum for International Art
Ballerina Clown în Veneția (Los Angeles)
literatură
- James Cuno, Ruth Fine: Subiect (e) - Tipăriri și Multiple de Jonathan Borofsky 1982–1991. Hanovra / New Hampshire 1992.
- Christian Geelhaar, Dieter Koepplin: Jonathan Borofsky. Desene 1960–1983. Basel, 1983.
- Portikus Verlag Frankfurt am Main (ed.): Jonathan Borofsky. NUMĂRARE 3287718 - 3311003. Frankfurt 1991.
- Mark Rosenthal: Jonathan Borofsky. New York 1984.
- Yvonne Schlosser: Jonathan Borofsky. Om zburător. În: Universitatea din Augsburg (ed.): Art on campus. Augsburg 2005.
- Katharina Schmidt, Philip Originea: White Fire - Flying Man. Arta americană 1959–1999. Colecții de artă publică Basel, Basel 1999.
- Edward van Voolen: Arta și cultura evreiască . Tradus din engleză: Nikolaus G. Schneider. München: Prestel, 2006, p. 150 f.
Link-uri web
Note de subsol
- ↑ Ralf Fondator: Berlin Wall Art: A Documentation. Böhlau, Köln și colab. 2007, ISBN 978-3-412-16106-4 .
- ↑ Poticus Publisher: Counting
| date personale | |
|---|---|
| NUME DE FAMILIE | Borofsky, Jonathan |
| SCURTA DESCRIERE | Artist american |
| DATA DE NASTERE | 2 martie 1942 |
| LOCUL NASTERII | Boston , Massachusetts |