Arta acestui secol

Invitație la deschiderea „Arta acestui secol”

Art of This Century a fost un muzeu deschis de Peggy Guggenheim la 20 octombrie 1942 în Manhattan , New York , care era și o galerie. Ea a comandat arhitectului Friedrich Kiesler să proiecteze camerele . Avangardist galerie a fost gestionată de Guggenheim până la sfârșitul lunii mai 1947. În acel an s-a întors în Europa. Întâlnirea dintre artiști europeni emigrați și tineri pictori americani precum Robert Motherwell , Jackson Pollock și Mark Rothko a dus la influența reciprocă a expresionismului abstract, iar centrul artei s-a mutat de la Paris la New York. În acest sens, expozițiile lui Guggenheim au avut o mare influență asupra artei americane moderne și pot fi comparate cu prezentările Armory Show , care a avut loc la New York în 1913.

preistorie

Peggy Guggenheim în Marsilia, 1937

Peggy Guggenheim deschisese deja o galerie la Londra pe 24 ianuarie 1938 . Numele „Guggenheim Jeune” s-a bazat pe o parte pe binecunoscuta galerie Bernheim-Jeune , pe de altă parte, numele ei de fată Guggenheim l-a citat pe unchiul ei, patronul de artă Solomon R. Guggenheim . Cu puțin timp înainte de deschiderea ei galerie, ea a participat la deschiderea Expozitiei Internationale du suprarealism la Paris , pe 17 ianuarie , organizat de André Breton și Paul Éluard .

Când Peggy Guggenheim s-a întors la New York în 1941, după faza colecționării la Paris și Londra, visul, inspirat de Herbert Read , de a înființa un muzeu de artă modernă la Londra a fost spulberat din cauza celui de- al doilea război mondial . Cu toate acestea, dorința de a putea prezenta colecția pe care o adunaseră într-un muzeu a trăit.

Un catalog de 160 de pagini, care fusese creat din ianuarie 1942 pentru a înregistra fondurile lui Peggy Guggenheim, a fost publicat în luna mai într-o ediție limitată la 2500 de exemplare; coperta a fost proiectată de Max Ernst . În plus față de cuvântul introdus de Peggy Guggenheim, au existat comentarii introductive ale lui André Breton , Hans Arp și Piet Mondrian . A fost intitulat Arta acestui secol , pe baza sugestiei pictorului Laurence Vail . La sfatul unui prieten, avocatul și consilierul fiscal Bernard J. Reis, Guggenheim și-a integrat galeria comercială în muzeul non-profit din motive fiscale pentru a putea deduce costurile. Ea a luat numele muzeului și galeriei din titlul catalogului. Inițial, Jimmy Ernst , fiul primei căsătorii a soțului ei Max Ernst , a acționat ca secretar ; Howard Putzel, fost galerist, a preluat ulterior acest rol.

deschidere

Friedrich Kiesler, 1924

Muzeul și galeria pe baza planurilor lui Friedrich Kiesler au fost deschise de Peggy Guggenheim, „fără ajutor financiar și cu multă întreprindere”, pe 30 West 57th Street, între galeriile de artă comercială, pe 20 octombrie 1942, cu o mare simpatie publică . Camerele erau într-o mansardă cu două etaje, orientată spre nord . 68 de artiști au fost reprezentați în expoziție cu un total de 171 de lucrări. Acestea includeau doi Pablo Picasso , opera cubistă timpurie a lui Georges Braque , lucrările lui Fernand Léger , Albert Gleizes și Louis Marcoussis și o lucrare a lui Marcel Duchamp . O pictură în ulei târzie și două desene mari ale lui Piet Mondrian au atârnat alături de tablouri ale constructivistilor olandezi și trei tablouri ale lui Vasili Kandinsky . Au existat, de asemenea, trei lucrări de Constantin Brâncuși și trei sculpturi de Alberto Giacometti , inclusiv bronzul Femme égorgée (femeie cu gâtul tăiat) turnat în 1940 (ipsos 1932). Au fost expuse nouă lucrări ale lui Paul Klee, iar sculpturile lui Antoine Pevsner au fost însoțite de o lucrare de Naum Gabo . Robert Delaunay și Francis Picabia au fost fiecare reprezentați cu o singură lucrare. Printre suprarealiștii din colecția expusă s-au numărat lucrări de Max Ernst și trei lucrări de Joan Miró . Concluzia cronologică a primei expoziții a fost formată de artiștii mai tineri de atunci, precum Wolfgang Paalen , Joseph Cornell , Jean Hélion și Yves Tanguy .

Gazda a apărut la deschidere într-o rochie albă de seară și a purtat doi cercei diferiți; una, proiectată de Alexander Calder , simboliza arta abstractă , cealaltă de Yves Tanguy mișcarea suprarealistă. Ea stabilise taxa de intrare la un dolar și donase suma Crucii Roșii Americane.

Premisele

Muzeul era format din trei camere. Arta cubistă și abstractă ar putea fi văzută într-una, și colecția extinsă de picturi și sculpturi suprarealiste, precum și artă cinetică în cele două camere alăturate . A patra cameră, galeria lui Guggenheim, care se numea „Galeria zilei”, a fost rezervată expozițiilor în continuă schimbare, de scurtă durată.

Conform memoriei lui Peggy Guggenheim, Kiesler a proiectat „camerele într-un mod original”: „Imaginile nu au fost doar prezentate, ci au fost puse în scenă”. „Tablourile erau montate pe lilieci de baseball […] și păreau să plutească la 30 de centimetri libere de perete”, petele luminau imaginile alternativ pe o parte. În departamentul de abstracte și cubiști, holul de la intrare, pereții erau drapați cu țesătură albastră ultramarină și imaginile erau atârnate de tavan pe corzi în unghi drept cu peretele. „Într-un coridor”, spune Guggenheim, „a fost amenajat un suport rotativ cu șapte lucrări ale lui Paul Klee, fiecare dintre ele rotindu-se încă un pic în jurul axei sale când vizitatorii treceau printr-o barieră de lumină”.

Programul expoziției

Theo van Doesburg: Contra-Compoziție XIII , 1925/26

Programul a durat cinci ani, începând cu expoziția de deschidere din octombrie 1942 și terminând cu o retrospectivă a artistului Theo van Doesburg la sfârșitul lunii mai 1947. În medie, au fost organizate zece expoziții în fiecare an. La început a fost în principal expoziții de grup, cu excepția expozițiilor personale. Ca singurul artist , în primul sezon a avut loc o expoziție solo în cinstea lui Jean Hélion , care s-a căsătorit cu fiica lui Peggy Guggenheim, Pegeen, în decembrie 1944. Drept urmare, expozițiile de grup au devenit din ce în ce mai rare, iar în ultimul sezon din 1947 nu a existat nici una. Timpul dintre ele a fost caracterizat în principal de expoziții pentru două persoane.

Deși Peggy Guggenheim îi cunoștea pe mulți artiști europeni precum Hans Arp , Hans Theo Richter și Laurence Vail - acesta din urmă primul ei soț -, dar din cauza războiului și a lipsei de conexiune care a rezultat cu Europa, aceștia nu erau disponibili pentru a actualiza conceptul expoziției programul îndreptat din ce în ce mai mult către artiștii și sculptorii americani. Guggenheim, de exemplu, a prezentat lucrări ale lui Jackson Pollock - dintre care patru au fost expuse între 1943 și 1947 -, Hans Hofmann , William Baziotes , Mark Rothko , Robert Motherwell , David Hare , Charles Seliger, Richard Pousette-Dart , Clyfford Still și alții din pe care au fost unii expuși de mai multe ori. Deoarece galeria nu a putut vinde prea mult de-a lungul anilor, Peggy Guggenheim a știut cum să „acopere situația jenantă” trimițând lucrările la colecția Peggy Guggenheim pentru noi achiziții .

După prima expoziție a lui Jackson Pollock în galerie în noiembrie 1943, opera sa a devenit centrul activităților lui Guggenheim. Potrivit autobiografiei sale, Pollock a primit un contract pentru 150 de dolari pe lună și o parte din profiturile lucrărilor vândute dacă au depășit 2.700 de dolari. O treime din acestea ar trebui să meargă la muzeu. Dacă suma nu este atinsă, compensația ar trebui făcută cu imagini suplimentare. Un tablou expus de Pollock a fost Composition with Pouring II din 1943. Calvin Tomkins , biograful lui Duchamp, a descris primul răspuns negativ al lui Guggenheim la figura scenografică a lucrării prezentate de Pollock cu forme abstracte și semi-abstracte. Când Piet Mondrian a descris imaginea ca fiind cea mai interesantă pictură pe care a văzut-o vreodată, ea s-a răzgândit. O expoziție solo de Mark Rothko a avut loc în galerie în 1945. A urmat prima expoziție individuală majoră a lui Hans Richter în SUA în 1946 .

Guggenheim avea, de asemenea, un sentiment pentru problemele care erau încă progresive la acea vreme, care se bazau pe instituțiile europene ale saloanelor de primăvară și toamnă. În 1945 a prezentat o expoziție solo cu noile imagini spațiale cromatice ale lui Wolfgang Paalen , care devenise cunoscut în SUA prin Julien Levy în 1940 cu fumajele sale și propria sa revistă de artă DYN și de atunci trăise în exil în Mexic. Guggenheim s-a dedicat, de asemenea, talentelor mai tinere și concentrării repetitive asupra artei femeilor , adăugării de colaj și prezentării unor artiști mai puțin cunoscuți, care aveau referințe slabe. În ianuarie 1943, de exemplu, „Expoziția a 31 de femei” a prezentat exclusiv pictorițe feminine cu lucrări de Valentine Hugo , Frida Kahlo , Louise Nevelson , Meret Oppenheim , Kay Sage , Dorothea Tanning și alții. Întâlnirea lui Max Ernst și Dorothea Tanning a dus la înstrăinarea cuplului Ernst; În 1946, Max Ernst s-a căsătorit cu artista. Expoziția „Femeile” a urmat în 1945, exponatele au venit de la Louise Bourgeois , Lee Krasner , Dorothea Tanning și Charmion von Wiegand .

Închiderea și revenirea în Europa

Muzeul din Palazzo Venier dei Leoni

Peggy Guggenheim a închis muzeul și galeria la 31 mai 1947. A tânjit după Europa și s-a mutat la Veneția ; era epuizată de munca ei, iar galeria se închidea în fiecare an cu un rezultat negativ. De exemplu, rezultatul pentru 1946 a fost o pierdere de 8.700 de dolari. Contractul semnat cu Jackson Pollock a fost preluat de Betty Parsons , care deschise o galerie la New York în octombrie 1946, la care s-au alăturat și alți câțiva artiști reprezentați anterior de Guggenheim.

În 1948, Guggenheim și -a expus colecția la Bienala de la Veneția . Lucrări ale artiștilor americani Arshile Gorky , Jackson Pollock și Mark Rothko au fost prezentate aici pentru prima dată în Europa. În același an, ea a achiziționat Palazzo Venier dei Leoni neterminat, cu grădina sa mare din secolul al XVIII-lea și l-a reconstruit. Din 1949 a folosit-o atât ca apartament, cât și ca spațiu de expoziție ocazional pentru colecția sa, care a fost deschisă publicului în lunile de vară din 1951. Intrarea a fost gratuită, dar a trebuit să fie cumpărat un catalog cu 75 de cenți, deoarece exponatele nu erau etichetate. Părți ale colecției Peggy Guggenheim au fost asigurate în 1976 la inițiativa lui Thomas Messer , care a fost director al Muzeului Solomon R. Guggenheim din 1961 până în 1988 și a fost transferată ca parte a colecției către Fundația Solomon R. Guggenheim , de la Peggy Guggenheim deține drepturile de proprietate asupra fundației transferate. Din 1980, colecția poate fi privită la Veneția sub numele de Colecția Peggy Guggenheim din Palazzo Venier dei Leoni, care a fost, de asemenea, acordată Fundației în 1976 .

perspectivă

Arta postbelică nu a trezit interesul lui Guggenheim, în special Pop Art , așa cum arată o declarație către un reporter: „Nu a realizat nimic și habar n-am ce a vrut să realizeze”. Unele dintre lucrările ulterioare ale artiștilor pe care i-a expus nu au atras-o, în special pentru Mark Rothko. Ea a cumpărat lucrări contemporane doar pentru a investi bani.

În ultimii ani, istoricii și criticii de artă au ajuns la părerea că Guggenheim a jucat un rol crucial în istoria artei prin promovarea tinerilor artiști europeni exilați și apoi necunoscuți în dezvoltarea modernismului și apariția expresionismului abstract . În martie 2007, Universitatea din Pennsylvania a găzduit un simpozion intitulat Usable Pasts? American Art from the Armory Show to Art of This Century , care a relatat cele două expoziții.

În 2011, Fundația Friedrich Kiesler a deschis o expoziție la Viena care a oferit o reconstrucție ca model de intrare pe o scară de 1: 3 a spațiului expozițional suprarealist proiectat de Kiesler.

literatură

• Dieter Bogner , Susan Davidson: Peggy Guggenheim și Frederick Kiesler. Povestea artei acestui secol . Hatje Cantz, Ostfildern 2006, ISBN 978-3-7757-1557-7 (engleză)
• Mary V. Dearborn: Stăpâna modernismului. Viața lui Peggy Guggenheim . Houghton Mifflin, 2004, ISBN 0618128069 ; dt. Nu am regrete! Viața extraordinară a lui Peggy Guggenheim , Bastei Lübbe, Bergisch Gladbach 2007, ISBN 978-3-404-61615-2
• Peggy Guggenheim: Arta acestui secol. Un vis de muzeu împlinit . În: moare.: Am trăit totul. Memoriile „femeii fatale” de artă . (Original: Peggy Guggenheim: Out of this Century. Confessions of an Art Addict , 1946/1960/1979) Munich 9th edition 1995; Pp. 245-259
• Peggy Guggenheim: Mărturisiri ale unui dependent de artă . Ecco Press, Hopewel, NJ 1997, ISBN 0-88001-576-4 ; dt. Am trăit totul. Mărturisiri ale unui colecționar pasionat . Bastei-Lübbe, Bergisch Gladbach, a 10-a ediție 2008, ISBN 978-3-404-12842-6
• Bernd Klüser , Katharina Hegewisch (Ed.): Arta expoziției. O documentare a treizeci de expoziții de artă exemplare din acest secol . Insel Verlag, Frankfurt a. M. / Leipzig 1991, ISBN 3-458-16203-8 , pp. 102-109.

Link-uri web

• Site-ul web al colecției Peggy Guggenheim (engleză)
• The Artstory despre galeria de artă (engleză)
• Coperta catalogului pentru prima expoziție din 1942 , proiectată de Max Ernst

Dovezi individuale

1. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , P. 11
2. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , P. 290
3. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , Pp. 186, 190
4. ^ Thomas M. Messer: Peggy Guggenheim. ARTA ACESTUI SECOL. New York, 57th Street. 20 octombrie 1942 - mai 1947 . În: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (Hrsg.): Arta expoziției. O documentație a treizeci de expoziții de artă exemplare din acest secol , p. 102
5. ↑ Citat din Weblink: Catalog
6. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , Pp. 271-274, 284
7. ↑ ^{a b} Thomas M. Messer, în: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (ed.): Arta expoziției. O documentație a treizeci de expoziții de artă exemplare din acest secol , p. 104
8. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , Pp. 280, 287
9. ^ Thomas M. Messer, în: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (ed.): Arta expoziției. O documentație a treizeci de expoziții de artă exemplare din acest secol , p. 105
10. ↑ Peggy Guggenheim: Am trăit totul (1995), pp. 256-258
11. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , P. 337
12. ^ Thomas M. Messer, în: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (ed.): Arta expoziției. O documentare a treizeci de expoziții de artă exemplare din acest secol , p. 107
13. ↑ ^{a b} Thomas M. Messer, în: Bernd Klüser, Katharina Hegewisch (ed.): Arta expoziției. O documentație a treizeci de expoziții de artă exemplare din acest secol , p. 108
14. ↑ Peggy Guggenheim: Nu am regrete! , Bastei Lübbe 2007, p. 473 f.
15. ↑ Calvin Tomkins: Marcel Duchamp. O biografie . Hanser, München 1999, ISBN 3-446-20110-6 , p. 191
16. ^ Mark Rothko , www.guggenheim.org, accesat la 30 martie 2018
17. ↑ Hans Richter , berlinerfestspiele.de, accesat la 8 septembrie 2015
18. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , P. 293 și urm
19. ↑ Charmion von Wiegand (1896–1983) în: Michael Rosenfeld Gallery, LLC, New York ( Memento din 19 mai 2012 în Internet Archive )
20. ↑ Citat de pe site-ul web al colecției Peggy Guggenheim
21. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , P. 385 f
22. ↑ Thomas Krens (prefață): Rendezvous. Capodopere de la Centrul Georges Pompidou și Muzeele Guggenheim . Publicații Muzeul Guggenheim, New York 1998, p. 102, ISBN 0-89207-213-X
23. ↑ Colecția Peggy Guggenheim. Fundația . Adus pe 27 iunie 2010
24. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , P. 406
25. ↑ Mary V. Dearborn: Nu am regrete! , Pp. 365-370
26. ↑ Trecutele utilizabile? American Art from the Armory Show to Art of This Century (PDF; 560 kB), invitație
27. ↑ Forma de viață în formatul de artă. Surrealismul afișat în arta acestui secol ( Memento din 16 octombrie 2011 în Arhiva Internet ) pe kiesler.org

40.763729 -73.975756Coordonate: 40 ° 45 ′ 49,4 "  N , 73 ° 58 ′ 32,7"  W.